Breve Historia de la Guitarra

Sus orígenes no son muy claros, numerosos instrumentos del mismo tipo eran utilizados en la antigüedad, se han descubierto representaciones en bajorrelieves asirios e hititas que se remontan a 1000 años antes de nuestra era. No obstante, el nombre de guitarra provendría de instrumentos sin mango (kettarah) y esto ha dado lugar a suponer que la guitarra deriva de las cítaras griegas y romanas, a las cuales se les habría adjuntado un mango al comienzo de nuestra era.
Sea como sea desde los siglos XI o XII existen dos tipos de "guitarres" o " guiternes": la morisca de forma ovalada emparentada con la mondora (siglos XIV-XVIII) y con la familia de las laúdes, así como con la mandolina; la latina (guitarra latina) de fondo plano, como la guitarra actual con lados y perfiles que unen la tapa con el fondo. La primera irá a favor de origen oriental (una especie de laúd asirio, pasando por Persia y Arabia, habría conquistado España sobre la dominación árabe); la segunda, a favor de un origen greco-latino. Uno y otro tipo están representados en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el sabio (1270). En el siglo XIV, Macheau y Eustache Deschamps citan la "guiterna" sin precisar el tipo, pero parece que se trata de la guitarra "latina" pues su hermana morisca había derivado en la "mandora".
En siglo XVI aparece una literatura muy rica cuya gran producción se centra en España. En esta época aparece una guitarra de cinco cuerdas cuya aportación se debe al poeta y músico andaluz Vicente Martínez Espinel, nacido en Ronda (Málaga) en el año 1550.
El portugués Nicolás Doici de Velasco, publicó, en el año 1630 su Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas, el más antiguo de cuantos se conocen, y en el cual se da un mensaje extraordinario: " En Francia, Italia y demás países, a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como el laúd, al arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que éstos ".
La guitarra adquirió gran importancia debido a la aportación de Gaspar Sanz, (1640-1710) compositor aragonés que gracias a su obra" Instrucción de música sobre la guitarra española" supuso un gran aporte a la guitarra barroca.
El siglo XVIII trajo consigo gran evolución en la guitarra. Tal vez la modificación más trascendente fue con la aparición de la sexta cuerda.
En el año 1760, fraile Miguel García, conocido como el padre Basilio, presentó por vez primera una guitarra de seis cuerdas, siendo éste el primer músico en escribir música para guitarra en notación musical moderna.
Como consecuencia del enriquecimiento musical que adquirió la guitarra de seis cuerdas, al final del siglo XVIII aparecieron grandes concertistas en el arte de tañer la guitarra como: Fernando Carulli (1770-1849), gran clásico de la guitarra, que compuso más de trescientas obras y escribió un tratado de armonía, publicado en el año 1825. Dionisio Aguado (1778-1849) gran estudioso de la digitación, nació en Madrid y fue discípulo del padre Basilio; su método aún está en vigor.
Fernando Sor (1778-1839) catalán, dio prestigio universal a la guitarra; se le llamaba el "Beethoven" del instrumento.
Francisco Tárrega (1854-1909) nació en Castellón. Demostró por primera vez todas las posibilidades musicales de la guitarra, sus composiciones son de una armonización magnífica y movió a los músicos más importantes a componer para guitarra. Los conocimientos que Tárrega extrajo de la guitarra fueron recogidos y ampliados por el más ilustre maestro de nuestros tiempos Andrés Segovia, (1893-1987)que nació en Linares (Jaén), con su gran talento y amor a la guitarra, llevó la guitarra a todos los conservatorios del mundo y las grandes salas de conciertos.
En el siglo XIX pese a la gran evolución que experimentó la guitarra respecto a su construcción, su aspecto musical quedó afectado por la crisis ocasionada por la aparición del piano, instrumento que se tomó como patrón y entonces rara vez se le veía donde hubiera música seria y tocar la guitarra quedó relegado a una actividad de pasatiempo. Desde estos tiempos en que el lugar más frecuente de ver una guitarra era la taberna hasta nuestros días observamos como la evolución ha sido asombrosa y ha hecho de la guitarra un instrumento imprescindible en el arte flamenco: acompañamiento al cante, al baile y como instrumento solista para el concierto.
A finales del siglo XX se encuentran nombres como, Paco de Lucia, Manolo de Sanlúcar, Manuel Cano, Juan Manuel Cañizares etc... guitarristas que han hecho que este instrumento sea conocido a nivel popular en todo el mundo.
 

Partes de la guitarra

La tapa armónica es, sin duda alguna, la parte principal de la guitarra, las maderas obligadas son pino abeto o cedro del Canadá. Es importante observar que las vetas estén totalmente rectas y que la distancia entre ellas sea lo más estrecha posible; hasta 2 mm de anchura podemos admitir en maderas de primera clase, en la periferia de la tapa lógicamente la anchura es mayor que en el centro, debido a la constitución de la madera.
Debemos observar también con detenimiento la perpendicularidad de las vetas respecto al plano de la caja armónica , detalle que comprobaremos por la boca central.
El mástil se observará detenidamente la altura de las cuerdas respecto al diapasón, en el traste 12. Con una gran altura de las cuerdas ( 10 mm) se podrán realizar sonidos de mayor intensidad, pero se tendrá más imprecisión al tocar y la afinación será más imperfecta. Lo recomendable para una guitarra clásica de concierto es de 4 1/2 mm
para la 6ª cuerda y 3 mm para la 1ª cuerda, tomando esta medida entre el lomo del traste 12 y la parte inferior de la
cuerda estando la guitarra afinada.. Los flamencos usan la menor altura y los clásicos la mayor, aunque entre los intérpretes no hay unanimidad de criterios en este sentido.
Caja de Resonancia. La caja de resonancia, o cuerpo de la guitarra, está formada por dos tapas exactamente iguales en cuanto a forma, y por dos tiras que siguiendo el contorno de las tapas, se cierran por ambos extremos, con lo cual forman un volumen donde se amplifican los tenues sonidos que emiten las cuerdas al vibrar.
El puente. El puente , pieza de madera adherida íntimamente a la tapa armónica está situado en el tercio inferior de la tapa aproximadamente. La misión del puente es sujetar las cuerdas y transmitir sus vibraciones a la tapa. Por tal razón sería deseable que puente y tapa fuesen una misma pieza, para ante la complejidad , se une mediante un buen adhesivo, rígido y resistente. Para la construcción de puente se utiliza madera de palosanto , de gran resistencia y belleza . Los seis agujeritos que presenta el puente para soporte de las cuerdas fueron ideados por Dionisio Aguado en el año 1824.
El fondo. El fondo es igual que la tapa armónica. Su misión como parte de la caja de resonancia, estriba en contener el volumen de aire y recibir el choque de las ondas sonoras, para reflectarlo hacia fuera. La elección de las maderas para la construcción del fondo no obedece a exigencias técnicas de sonoridad, sino más bien dirigida hacia la mayor ornamentación del instrumento, y por lo tanto, se exigen maderas de gran belleza, como el palosanto, jacaranda, caracolillo o ciprés.
El mástil y el diapasón. El mástil es el mago de la guitarra. Requiere una madera de gran estabilidad dimensional, de baja densidad para que pese poco. Estos requisitos los cumple con gran generosidad la madera de cedro centroamericano (Cedro de Honduras). El diapasón exige una madera muy dura, pues el golpear de los dedos y el roce constante de las cuerdas acaban por producir huellas relativamente profundas. Ninguna madera cumple mejor estas condiciones que el ébano de Guinea (llamado ébano carbonero, por su aspecto mate)
La cabeza. La cabeza se construye en cedro centroamericano, como continuación del mástil se une a éste con adhesivos muy resistentes. En esta parte de la guitarra es el soporte del clavijero, y éste, a su vez de las cuerdas. La terminación de la cabeza brinda al constructor el lugar donde expresar su sello propio.
El peso de una guitarra está en función de la clase de maderas usadas en su construcción . Si partimos de guitarras de cierto nivel con las mismas medidas la oscilación del peso puede ser entre 1,150 y 1,750 Kg. siendo ligeramente más pesada la clásica que la flamenca debido a la mayor densidad del palosanto respecto al ciprés. Se ha comprobado , trás pesar muchas guitarras, que no se puede mantener la creencia por parte de muchos "entendidos" de que las buenas guitarras son las que menos pesan . No existe una relación directa entre el peso y el sonido.
El sonido en una guitarra de concierto será limpio en todas las cuerdas y en todos los trastes .Los sonidos durarán el mayor tiempo posible, pues una guitarra en que el sonido se "apague" rápidamente no puede ser de calidad , este punto va íntimamente ligado con la intensidad de sonido, que es el factor más importante.

Partes de la guitarra eléctrica

Partes de la guitarra española o clásica

1. Clavijero
2. Cejilla (también cejuela o puente superior)
3. Clavija
4. Trastes
5. Tensor del mástil
6. Marcadores de posición
7. Diapasón
8. Cuello
9. Caja (clásica) o cuerpo (eléctrica)
10. Pastillas o micrófonos
11. Perillas o controles de volumen y tono
12. Puente
13. Protector o golpeador
14. Tapa
15. Tapa armónica
16. Aro
17. Roseta
18. Oído o boca
19. Cuerdas
20. Mástil

Algunas guitarras poseen más de un diapasón (máximo conocido 5 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.

Afinación

Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos—: la cuerda mi₄ —la primera cuerda—, la cuerda si₃ —la segunda—, sol₃ —la tercera—, re₃ —la cuarta—, la₂ —la quinta— y mi₂ —la sexta— siendo el do₄ la nota central de un piano. En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos, o un tono, la sexta cuerda —desde el mi₂ al re₂—.

En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI. Las obras para guitarra se escriben en clave de sol, transpuestas una octava más aguda como si la guitarra fuera un instrumento más agudo: el mi₄ de la primera cuerda al aire se escribe como si fuera un mi₅ —el mi del cuarto espacio del pentagrama con clave de sol, contado de abajo hacia arriba—.

A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se las llama "bordonas", mientras que "bordonear" es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.

También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: Fa₄, la#₃, re#₃, sol#₃, Do₂ y Fa₂ "por que las notas Mi y Si No Tienen sostenidos"

La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo —afinado normalmente: sol₂, re₂, la₁ y mi₁—.

Conservación de la Guitarra

La guitarra, como instrumento delicado que es, ha de cuidarse de manera esmerada, y siempre que no se esté tocando, deberá esta guardada en su estuche, que será de constitución rígida a fin de resguardarla de los eventuales golpes; las fundas de lona no protegen casi nada.
La humedad o sequedad extremas son peligrosas, así como el paso rápido de humedad a sequedad y viceversa, pueden ocasionar rajas en la madera por muy curada que esté.
Nunca deben colgarse en la pared, ya que éstas suelen captar y transmitir la humedad. Si la humedad fuera excesiva podría ablandar las colas, llegando a producir despegaduras en el instrumento. La madera es Higroscópica, o sea que adquiere en su interior humedad o la despide de acuerdo con el ambiente que la rodea. Es recomendable mantener el instrumento entre el 65 y el 80 % de humedad relativa del aire.
Cuando la guitarra deba viajar en avión, en la bodega de equipajes, hay que aflojar completamente las cuerdas. Nunca se deben colocar en los maleteros de los coches, ya que expuestos al sol pueden alcanzar temperaturas de 75% y la guitarra sufrir daños irreparables.
Una raja no tiene importancia si se recurre pronto a un buen reparador de instrumentos, y si ésta se produce en la tapa y cerca del puente es aconsejable aflojar las cuerdas.
Nunca debería abandonarse una guitarra encima de muebles o sillas y jamás ponerla cerca de un foco que expida calor. Es obvio que hay que evitar los golpes y los roces, porque una guitarra vieja si se conserva en estado impecable posee gran valor ya que la sonoridad aumenta con el paso del tiempo.
Es conveniente mantener las guitarras afinadas siempre en el mismo tono y, en caso de desear cambiar las cuerdas , no quitar las viejas de una vez, sino cambiar una afinarla con las demás, y así proceder de una en una con las restantes; este tiene por objeto que el puente y la tapa no pierdan ni por un momento la tensión a que están acostumbrados, lo que produciría una disminución en el sonido que tardaría algún tiempo en recuperar.
Para la limpieza de la guitarra no se usará alcohol, por ser éste disolvente de algunos barnices, sino que se empleará cualquier producto de los utilizados para la limpieza de muebles o con un trapo ligeramente húmedo en agua. Sobre las cuerdas. En las cuerdas de nylon, las cuartas, quintas y sextas, entorchadas, pueden perder gran parte de su sonoridad a causa del sudor de las manos, lo que desmerece mucho el sonido de una buena guitarra; cuando esto ocurre, se les puede devolver a su primitiva sonoridad aflojándolas completamente y volviendo de nuevo a tensarlas y si esto no es suficiente, se les puede lavar con jabón, cuidando de no frotarlas para que no se afloje el entorchado, y no volviéndolas a colocar en la guitarra hasta que estén bien secas.
Cuando las cuerdas cecean al pulsarlas al aire, es debido a que las ranuras del hueso de la cabeza se han ahondado por desgaste; esto se corrige fácilmente colocando debajo de esta cejilla una tira de cartulina delgada o papel algo grueso, que generalmente basta para compensar la pérdida de altura sobre el primer traste.
Por último decir que en los viajes por avión, si el instrumento ha de ir en la cabina de equipaje, es necesario aflojar completamente las cuerdas.

El Futuro de la Guitarra

Con la Guitarra eléctrica es difícil atreverse a profetizar, porque las herramientas utilizadas se crearon para otros fines, y las nuevas tecnologías nos sorprenden día a día. La era digital nos ha traído la emulación de amplis y de los efectos antiguos. Cualquier preadolescente tiene en su mano, por lo que cuesta un regalo de navidad, infinitos sonidos legendarios y quizá lo básico se esté olvidando en aras de una falsa sensación de seguridad de que “todo se conoce”.

Ahora se han inventado las guitarras digitales, que incluso Gibson, siempre acusada de no perseverar en la investigación, ha adoptado para su línea de producción. Estas innovaciones colisionan con la carencia de creatividad musical, pues ya desde hace 30 años la industria discográfica acude al fenómeno “revival” como medio de mantener los niveles de beneficios. ¿Hemos dicho industria discográfica?. Hasta el disco está en vías de extinción. Mejor dejar aquí cualquier cábala, pues sólo pensar en la incertidumbre donde nos encontramos produce cierto desasosiego.

Lo cierto es que hay al menos dos líneas de producción, la que intenta revivir diseños y sonidos del pasado y la que intenta seguir indagando y creando nuevos modelos. Y entre medias, cada fabricante intenta seguir produciendo sus creaciones.

Como siempre, es el público quien tiene o tendrá la respuesta, pero hay que admitir que la libertad de decisión está muy condicionada con las campañas publicitarias y el marketing de las grandes firmas. Así, es muy difícil vencer ciertas rutinas equivocadas basadas en el conocimiento proporcionado por los medios y por las propias fábricas. El fenómeno del “endorsement” y otras técnicas de marketing consiguen que en el ranking de prestigio muchos puestos no se correspondan con la calidad real de la marca o del instrumento.

Con respecto a la Guitarra Clásica, en las últimas décadas el aporte académico de grandes maestros han contribuido significativamente al gran desarrollo técnico del instrumento extrayendo todas sus posibilidades tímbricas y sonoras, han surgido grandes compositores modernos, y un inmensurable número de intérpretes de todas las nacionalidades.

El repertorio del siglo XX ha introducido nuevas técnicas y sonoridades a veces derivadas de la música folclórica, el flamenco y el jazz. Actualmente, la guitarra es sin duda uno de los instrumentos que más se estudia en todo el mundo, pero también no es menos cierto que continúa siendo el gran  desconocido para un número importante de personas, algunos músicos ven en la guitarra, un instrumento menor, entre otras razones por su bajo volumen comparado con otros de la misma familia y que por lo tanto,  no  permite por ejemplo,  su incorporación a la Orquesta en igualdad de condiciones. Esa es la asignatura pendiente y que excelentes luthiers e intérpretes investigan y que seguramente encontrarán algún día la respuesta a esta demanda, concluyendo quizás así la propia evolución de la Guitarra.

Curiosidades sobre la guitarra

· La obra Tres Libros de Música en Cifras para Vihuela, publicada en Sevilla en 1546, de Alonso Mudarra (1510 ? - 1580) es el primer libro que contiene música para guitarra (guitarra de cuatro órdenes).

· Las cuerdas de Nylon aparecen en 1946, para reemplazar a las cuerdas de tripa.

· Antonio Stradivarius (1644 - 1737), el célebre luthier de Cremona no sólo confeccionó violines, también hizo arpas, cítaras y guitarras. Hoy en día sobreviven dos guitarras de él.

· Los trastes de la mayoría de los instrumentos predecesores a la guitarra estaban fabricados de tripa y eran amarrados al mástil a lo largo del diapasón.

· Luis XIV, rey de Francia, tocaba la guitarra que era su instrumento favorito.

· El compositor y guitarrista italiano Francisco Corbetta (1615 - 1681) fue uno de los primeros en escribir suites barrocas. Estas suites consistían de una allmanda, corrente y sarabanda; aunque, sin embargo, no las denominó "Suites", las agrupaba y aclaraba que debían ser tocadas juntas.

· El padre Basilio, fray Miguel García, fue el primer músico en escribir música para guitarra en la notación musical moderna, alrededor de 1760.

· El luthier Antonio Torres Jurado (1817 - 1892) es el responsable de desarrollar la guitarra moderna, tal como la conocemos en nuestros tiempos.

· El guitarrista y compositor español Dionisio Aguado (1784 -1849) fue quien introdujo el uso de un banquillo donde se apoya el pie izquierdo para soportar al instrumento cuando se toca en posición sentada.

· Se cree que el guitarrista ruso Simeón N. Aksenow (1773 - 1853) fue el que descubrió los sonidos armónicos en la guitarra.

· "Diferencias sobre Guárdame las Vacas" (1538), de Luis de Narváez (1510 - 1555), contenida en: Los seys libros del Delphin de música es el primer ejemplo de música impresa con tema y variaciones.

· Niccolò Paganini (1782-1840) escribió más de 200 obras que involucran a la guitarra; escribió casi la misma cantidad de piezas para violín.· El nombre completo de Carulli (1792 - 1853), compositor y guitarrista italiano, era: Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli.

· El General San Martín, fue alumno de Fernando Sor.

· Johann Sebastián Bach (1685 - 1750), nos legó 7 obras para laúd, entre ellas 4 Suites para Laúd Solo, que hoy en día son tocadas por grandes guitarristas.

· El gran compositor del famoso concierto de Aranjuez, Joaquín Rodrigo, era ciego desde los 3 años a causa de una epidemia de difteria.

· El gran Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta, estrenado en 1940 por el guitarrista Regino Sainz de la Maza, es la obra clásica más vendida por las tiendas discográficas en el siglo XX y a la cual se han hecho más adaptaciones y arreglos para ser interpretado en instrumentos como arpa e incluso en estilo pop y jazz. Sin embargo, no cabe la menor duda que el concierto es bello tal como lo concibió su autor.

· La palabra fuga aparece por primera vez en un libro de música práctica: Libro de música de vihuela intitulado Silva de Sirenas (Valladolid, 1547), del vihuelista español Enríquez Valderrábano (1500 - 1557?).

· Heitor Villa-Lobos (1887 - 1959), además de ser un brillante compositor para guitarra del siglo XX, fue el compositor más prolífico de todos los tiempos. Su producción musical se compara en número a la obra de Lope de Vega en literatura.

· Franz Schubert (1797 - 1828) componía en una guitarra ya que era tan pobre que no podía disponer de un piano.

· Grandes compositores como Carl María Von Weber (1786 - 1826), Gioacchino Rossini (1792 - 1868), Héctor Berlioz (1803 - 1869), Richard Wagner (1813 - 1883), Giuseppe Verdi (1813 - 1901), tocaron y compusieron música para guitarra.

· Las transcripciones de Tárrega y la dedicación de Andrés Segovia y Miguel Llobet a la guitarra suscitaron a grandes compositores a componer para guitarra; compositores como: Mario Catelnuovo-Tedesco, Manuel de Falla, Joaquín Turina, Manuel Ponce, Heitor Villa-Lobos, Federico Moreno Torroba, Juan Manén, Alfredo Casella, Albert Roussel, Alfonso Broqua y otros.

· Isaac Albéniz al escuchar sus propias composiciones transcritas en guitarra por Tárrega, decía que eran superiores a las versiones de él para piano.

· Agustín Barrios (1885 - 1944) fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. el año 1909.

· La popular melodía Romance Anónimo o Romance d'Amor también conocida como Jeux Interdits que siempre se la asocia con España, no es española ni escrita por ningún compositor español. Es una antigua canción popular ucraniana.

· El compositor francés Charles Doisy escribió nada más y nada menos que 50 variaciones para guitarra sobre el tema Folies d'Espagne; también Fernando Sor, Mauro Guiliani, Manuel Ponce y Gaspar Sanz escribieron variaciones sobre este tema para guitarra. Parece que este tema ha interesado a muchos compositores, a pesar que consista de sólo 5 notas; otros compositores como Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico Scarlatti, Bach, Gretry, Cherubini, Liszt y Rachmaninoff también escribieron variaciones sobre este tema.

· El guitarrista Francisco Guerau en su libro Poema harmónico compuesto de varias cifres por el temple de la Guitarra Española, publicado en 1694, tiene instrucciones de como utilizar la barra con el dedo índice de la mano izquierda.

· Agustín Barrios fue el primer guitarrista en incluir en sus conciertos, una transcripción de una Suite para Laúd de Bach.

· La primera guitarra de Fernando Sor la construyó el luthier Juan Matabosch, que trabajó en Barcelona, España.

· El compositor ruso Andrés O. Sichra (1772 - 1861) realizó 75 composiciones para una guitarra de 7 cuerdas.

· Durante el desarrollo de nuestro sistema de notación musical, algunos pueblos utilizaron primeramente letras del alfabeto para designar la altura de las notas, sin embargo no permitían una claridad visual para el ejecutante. En otras épocas se utilizaron signos llamados "Neumas", que en griego significa ademán o señal, formados por puntos, comas, acentos, rayas, etc. Estos signos a pesar de ser más gráficos que las letras del alfabeto (se ven las subidas y bajadas de la melodía), no permitían determinar si la subida abarcaba dos, trés, cuatro o más tonos. En la Edad Media, estos Neumas sirvieron más como una ayuda a la memoria, y el ejecutante debía conocer el canto, de ahí que se denominaron "usus". Las dificultades empezaron a desaparecer con los primeros intentos de fijar alturas por medio de líneas horizontales.

• Hucbaldo (840 - 930? d.C), monje del monasterio de San Amando, de Tournay, propone trazar líneas para aclarar la escritura musical. En sus libros se observan dos líneas que marcaban una distancia de una quinta (cinco tonos), una era la nota fa, la otra la nota do. Para hacerlo más claro, Hucbaldo les da distintos colores: rojo y amarillo.

· El monje Guido de Arezzo, (Arezzo (Toscana) 995 - Avellano 1050), la figura central de la música medieval, perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual. Finalmente después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el "pentagrama" del griego: cinco líneas.

· Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas. En la Edad Media las notas se denominaban por medio del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G. Por aquellos días solía cantarse un himno a San Juan que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Entonces Guido tuvo la idea de emplear las primeras sílabas de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto latino de este himno rezaba así:

UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Joannes.

Arezzo denominó a este sistema de entonación "solmización", y más tarde, "solfeo". Usaba este sistema para la enseñanza de la música y prontamente adquirió gran popularidad y el Papa ordenó su introducción inmediata a la Iglesia. Pronto fue sustituido UT por Do, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. Mucho más tarde fue "descubierta" la nota siete y recibió el nombre (de fantasía) de si (de Sancte Ioannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de Inglaterra, Alemania, los países escandinavos, Norteamérica y otros más.

· Pronto surgió la necesidad de fijar la duración de las notas gráficamente. Esto comienza en el siglo XII y se limita durante unos doscientos años a pocos valores: máxima, longa, brevis y semibrevis. En el siglo XIV ya no bastaban estos signos y se introdujeron dos valores más: mínima y semimínima. Hacia mediados del siglo XV los signos cambiaron de color: las notas largas se escribieron blancas, las notas cortas quedaron negras. Durante la evolución de muchos siglos desaparecen la máxima, la longa, la brevis. La semibrevis se convierte en la "redonda", la mínima a la "blanca", la semimínima a la "negra", la fusa a la "corchea", etc.

· El metrónomo fue inventado por el mecánico holandés Dietrich Winkel y perfeccionado por el constructor de instrumentos Johann Mälzl. De ahí que el término M.M. utilizado en la escritura musical significa "Metrónomo de Mälzl" que fue patentado en 1816.

Gustavo Russo

agradece a Wikipedia.org, Clubguitarra, Guitarra. artelinkado , la guitarra.net,  enciclopedia biblos y Encarta,  por la información facilitada.